Durante siglos, persiste un debate acalorado en el mundo del entretenimiento: ¿Debería un actor sumergirse en las emociones de su personaje para representarlas con autenticidad, o es posible encarnar esas emociones sin necesidad de experimentarlas internamente?
En un rincón, encontramos a los defensores de la experiencia visceral, encabezados por Shakespeare, quien en las palabras de Hamlet, advierte contra la mera articulación de líneas y aboga por una actuación que se despliegue “en un sueño de pasión”.
En el otro extremo, se alza la voz de Diderot, el filósofo de la Ilustración, quien argumenta que les actores que actúan desde el corazón pueden resultar inconsistentes, alternando entre estados de fortaleza y debilidad, pasión y frialdad, sublimidad y tedio. Frente a esto, Diderot propone una alternativa: perfeccionar la técnica externa, la voz, el cuerpo, mientras se dejan a un lado los propios sentimientos del actor en pos de una interpretación más coherente y controlada.
El Método Stanislavski se destaca como la tercera opción en el enfrentamiento entre la inmersión emocional y la técnica externa. Este enfoque desafía a les actores a encontrar el equilibrio ideal entre la autenticidad emocional y la habilidad técnica. En el método, les actores buscan profundizar en la psicología de sus personajes, utilizando sus propias experiencias y emociones para crear interpretaciones más realistas y conmovedoras.
Este año, los candidatos al Premio Oscar al Mejor Actor, Cillian Murphy –quien interpretó al físico nuclear J. Robert Oppenheimer en la película de Christopher Nolan– y Bradley Cooper, quien protagonizó el papel de Leonard Bernstein en el biopic Maestro, generaron mucho revuelo no solo por sus actuaciones, sino también por la forma en que las prepararon.
Murphy, que ya era delgado, perdió alrededor de 10 kilos y comenzó a fumar cigarrillos falsos para imitar la apariencia y los hábitos del verdadero Oppenheimer. Se dice que su preparación para el papel fue tan intensa que se aislaba del equipo durante el rodaje de la película.
Mientras tanto, Cooper habría pasado seis años entrenando en el arte de dirigir orquestas para filmar una secuencia clave de su película. En un episodio del podcast SmartLess, la nominada al Oscar a la mejor actriz Carey Mulligan contó que Cooper la llamó y habló con ella con la voz de Bernstein años antes del inicio del rodaje de Maestro. Las noticias sobre la preparación de les actores a menudo aluden al Método Stanislavski, un enfoque psicológico de la actuación diseñado para otorgar autenticidad y credibilidad al personaje.
El origen del Método Stanislavski
El Método Stanislavski, a veces conocido simplemente como “el Método”, se deriva del “sistema” de actuación desarrollado por el actor y director ruso Konstantin Stanislavski, como lo describe en su influyente libro de 1936, La Formación del Actor.
En su esencia, el Método insta a les actores a explorar las motivaciones profundas de sus personajes. Este enfoque demanda que el actor esté plenamente presente en el momento, interactuando con otres actores y respondiendo según las circunstancias imaginarias que rodean al personaje. Esta técnica persigue la búsqueda de autenticidad en las interpretaciones mediante la creación de personajes genuinos. Para lograr esto, les actores deben recurrir a sus propias experiencias y emociones para conectar con los personajes que interpretan.
Para lograr esto, les actores que emplean este método de actuación realizan una exhaustiva exploración psicológica de sus personajes, indagando en su historia personal, motivaciones, deseos y conflictos internos. Además, suelen investigar el contexto histórico y social de la historia, así como aspectos específicos del personaje, como su profesión, educación y relaciones personales.
La búsqueda de la verdad emocional en la interpretación es fundamental en el método de actuación. Les actores trabajan para establecer una conexión emocional con sus personajes, utilizando técnicas como la memoria afectiva para evocar emociones genuinas durante su performance.
A lo largo del tiempo, el método de actuación ha evolucionado, dando lugar a diferentes enfoques y variaciones. Entre ellos se encuentran el Método de Actuación de Lee Strasberg y el Método de Actuación de Stella Adler, ambos basados en los principios de Stanislavski pero adaptados de diversas maneras.
Uno de los momentos más destacados en la popularización del método de actuación fue cuando Marlon Brando lo llevó al público en general. Para prepararse para su papel en The Men, donde interpreta a un veterano paralítico, Brando pasó tiempo en un hospital para veteranos en silla de ruedas, sin revelar su verdadera condición a los demás pacientes. Durante el rodaje, incluso permanecía en su silla de ruedas entre tomas.
En décadas posteriores, el Método Stanislavski se ha asociado con actores que se sumergen completamente en sus personajes. Por ejemplo, Daniel Day-Lewis se alimentó con una cuchara y aprendió a escribir con el pie para prepararse para su papel de pintor con parálisis cerebral en Mi Pie Izquierdo (Jim Sheridan,1989).
Cuáles son los límites del compromiso actoral
A pesar del fascinante interés que suscitan estas anécdotas, es innegable que algunos de los extremos a los que llegan les actores probablemente habrían arrancado una sonrisa al propio Stanislavski.
La obra La Formación del Actor se adentra en un curso teatral ficticio donde un profesor, claramente inspirado en Stanislavski, se enfrenta a los malos hábitos de sus alumnos y les enseña los principios fundamentales del sistema actoral.
La mayoría de los ejercicios diseñados por este profesor tienen como objetivo ayudar a les actores a imaginar cómo reaccionarían si estuvieran en las mismas circunstancias que sus personajes, sin necesidad de reproducir esas situaciones en la vida real.
En el transcurso de la narrativa, este profesor, a la manera de Stanislavski, se burla con regularidad de actores que llevan sus intentos de alcanzar la autenticidad a extremos ridículos.
En consonancia con figuras como Brando y Day-Lewis, uno de les actores del libro de Stanislavski adopta enfoques sorprendentemente cuestionables, incluyendo el uso de blackface, mientras se prepara para interpretar a Otelo.
Un amplio debate surgió en torno al merecido reconocimiento al mejor actor del año pasado, Brendan Fraser, cuyo papel en The Whale lo interpretó utilizando prótesis (conocidas como “fat suit”) para encarnar a Charlie, un profesor con obesidad mórbida.
Es relevante mencionar que Cillian Murphy, al igual que Day-Lewisa afirmaron utilizar el método. Murphy ha optado por no revelar cómo perdió peso para su papel en Oppenheimer. Sin embargo, una de sus compañeras de reparto, Emily Blunt, sugirió que Murphy se limitaba a comer una almendra al día durante el rodaje para mantenerse delgado.
Lo que un actor decide hacer con su cuerpo es, en primera y última instancia, una decisión personal respaldada por su médico. No obstante, existen implicaciones médicas y éticas considerables cuando la pérdida o ganancia de peso se interpretan como evidencia de un compromiso riguroso con su oficio.
Conductas inapropiadas en el set: excesos y tensiones entre actores
Luego, están estas historias de actores que provocan demasiado a sus compañeros de actuación para intentar obtener respuestas auténticas.
En el apogeo del movimiento #MeToo, surgió una historia sobre el rodaje de Kramer contra Kramer (Robert Benton,1979). Meryl Streep recordó que su compañero Dustin Hoffman la había abofeteado antes de filmar una de sus escenas para obtener una respuesta de ella. Estos actos formaban parte de un comportamiento más amplio y de relaciones tensas entre dos actores durante el rodaje de la película.
Del mismo modo, durante el rodaje de Escuadrón Suicida (David Ayer, 2016), se dice que Jared Leto envió regalos a sus compañeros de reparto en nombre de su personaje, el Joker, que incluían animales muertos y condones usados. Leto ha alternativamente confirmado y negado las historias sobre estas bromas.
Este tipo de bromas no tienen nada que ver con la forma en que Stanislavski concibe el trabajo con compañeros de actuación: para él, se trata de crear unión y comprometerse en una escucha activa. Consideraba egoísta molestar a otres actores, ya sea en beneficio de una escena o como parte de su propia estrategia para “permanecer en el personaje”.
No, un actor no tiene que “perderse en su papel”
Desde la publicación del libro de Stanislavski, surgieron varios sistemas de interpretación que favorecen el tipo de inversión psicológica personal que parece difuminar la línea entre el actor y el personaje, incluida la del profesor de teatro y director estadounidense Lee Strasberg.
Sin embargo, en el capítulo 8 de La Formación del Actor, Stanislavski hace una clara distinción entre lo que es verdadero y real para el actor y lo que es verdadero y real para el personaje que interpreta. En otras palabras, no suscribía a la idea de que un actor pueda perderse en su papel.
Sí, los medios adoran este tipo de historias, que pueden demostrar un cierto tipo de compromiso. Pero también pueden retratar a les actores como artistas mimados y pretenciosos. Un actor que lucha por pagar sus facturas no tiene el lujo, por ejemplo, de insistir en que todos se refieran a él por el nombre de su personaje…
De hecho, estas historias sobre el método de actuación pueden ir en la dirección opuesta: gran parte de los elogios en torno al papel de Ryan Gosling en Barbie se basan en la idea de que un actor “serio” esté dispuesto a volverse rubio, torpe y adoptar un enfoque decididamente no metódico, una actitud que el actor abrazó con descaro durante la presentación de la película a la prensa.