domingo 14 de abril de 2024

La maestría narrativa de Martin Scorsese a través del tiempo

El cineasta, con su habilidad para tejer narrativas complejas y su aguda observación de la condición humana, redefinió los estándares del cine contemporáneo. Su capacidad para fusionar historias con una profunda exploración del alma humana lo convierte en un creador excepcional, cuya influencia perdura a lo largo de las décadas y remodeló el panorama cinematográfico.
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Cinco décadas de magia cinematográfica a través de la mirada única de Martin Scorsese. Crédito: IMDB

Pocas voces rivalizan con la de Martin Scorsese como máxima autoridad en el cine mundial. El nombre del director se volvió casi inseparable del medio en su conjunto. 

Sin embargo, su amor por el Séptimo Arte nació como el de cualquier otra persona: sentado en una sala de cine, paralizado ante las luces que caían en cascada sobre la gigantesca pantalla frente a él. 

Aunque sus comienzos cinéfilos pudieran ser comunes, su viaje cinematográfico fue todo lo contrario: alcanzó picos gloriosos y sobrevivió a valles cavernosos en su camino para convertirse en el maestro indiscutible del cine. 

Scorsese dio forma de manera constante a la industria cinematográfica durante los últimos 56 años y sigue siendo una de las mentes más distintas y atrevidas de Hollywood desde que se aventuró detrás de la cámara en 1967.

De Little Italy a la pantalla grande

El 17 de noviembre de 1942, nació Martin, hijo de Charles y Catherine Scorsese. Ambos padres eran inmigrantes sicilianos, y la familia se estableció en el distrito Little Italy de la ciudad de Nueva York cuando él era demasiado joven para recordarlo. 

Desde temprana edad, padeció asma, lo que llevó a sus padres a prohibirle participar en deportes o socializar con otros niños del vecindario. En su lugar, lo llevaban al cine todos los días para estimular su mente inquieta.

Epopeyas como Los Diez Mandamientos (Cecil B. DeMille, 1956) y La tierra de los faraones de (Howard Hawks, 1955) le mostraron el potencial del cine como un espectáculo grandioso. 

Al mismo tiempo, obras más contemplativas como Los Buscadores (John Ford, 1956) le inculcaron el deseo de desafiar los mitos estadounidenses y desarrollar su propia perspectiva sobre su país. 

Sin embargo, su infancia, definida por su amor por el cine, no se limitó solo a las producciones estadounidenses: su temprano descubrimiento de la Nueva Ola Francesa y directores italianos como Roberto Rossellini y Federico Fellini contribuyeron a moldear su visión del mundo internacional y su aguda sensibilidad estilística como director.

Este amor adolescente por las imágenes en movimiento terminó por convertirse en una fuerza más influyente de lo que jamás habría imaginado, proporcionándole dirección cuando se sentía más perdido. 

Scorsese, quien se estaba preparando para ser sacerdote en un seminario, comenzó a tener dudas acerca de la vida en la que parecía estar atrapado. Decidió dejar atrás la precaución y se matriculó en la Universidad de Nueva York, especializándose en Comunicación Cinematográfica

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Al Pacino, Martin Scorsese y Robert DeNiro en el estreno de The Irishman. Crédito: IMDB

Durante su tiempo en la universidad, dirigió tres cortometrajes experimentales: ¿Qué hace una buena chica como tú en un lugar como este? (1963), ¡No eres solo tú, Murray! (1964) y The Big Shave (1967), cada uno más refinado y con un propósito más claro que el anterior.

En el mismo año en que Scorsese presentó su impactante metáfora gráfica sobre Vietnam, The Big Shave, lanzó su primer largometraje, Who’s That Knocking At My Door (1967), protagonizado por otros estudiantes de la Universidad de Nueva York y futuros colaboradores de toda la vida: el actor Harvey Keitel y la editora Thelma Schoonmaker

Esta pequeña película, que exploraba la angustia en las relaciones de un neoyorquino católico, captó la atención del legendario crítico de cine Roger Ebert, quien la vio por casualidad en el Festival Internacional de Cine de Chicago

Ebert no escatimó elogios para Scorsese, afirmando que la película era «… genuina, satisfactoria y técnicamente comparable a las mejores películas que se hacen en cualquier parte. No tengo ninguna reserva en describirla como un gran momento del cine americano».

Caos y Creatividad: Martin Scorsese y el Cine de los 70

Fue en 1972 que Scorsese lanzó su siguiente película, mientras aceptaba empleos temporales en Hollywood y se asociaba con la generación emergente de cineastas estadounidenses, los llamados «mocosos del cine» de la Nueva Ola

Su segundo intento cinematográfico, la olvidada película de serie B sobre la explotación del oeste, Boxcar Bertha (1972), protagonizada por Barbara Hershey y David Carradine, resultó ser un fracaso total en todos los aspectos. 

Fue en este momento crucial cuando el influyente actor y director John Cassavetes vio la película y le dijo : “Marty, acabas de pasar un año entero de tu vida haciendo una porquería. La película está bien, pero tú eres mejor que la gente que hace este tipo de películas. No te limites al mercado de explotación, intenta hacer algo diferente”. 

Es difícil imaginar cómo habrían sido los últimos 50 años de la historia del cine si Cassavetes no hubiera intervenido, porque solo un año después, Scorsese presentó la aclamada película sobre gánsteres neoyorquinos Mean Streets (1973).

El inicio de una de las relaciones director-actor más prolíficas y celebradas en la historia del cine, Mean Streets unió a Scorsese con el entonces relativamente desconocido Robert De Niro

Esta conexión se forjó gracias a otro ‘mocoso del cine’, Brian De Palma, que había trabajado con De Niro en las poco conocidas Saludos (1968) y ¡Hola, mamá! (1970). 

La química entre Scorsese y De Niro fue instantánea, lo que llevó a algunas de las interpretaciones más memorables en la historia del cine. Harvey Keitel dio vida al personaje de Charlie, un joven delincuente, mientras que De Niro interpretó a Johnny Boy, un individuo impulsivo que lucha contra la trivialidad de su vida y la culpa religiosa por sus acciones.

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Martin Scorsese y Robert DeNiro en el set de Raging Bull (1980). Crédito: IMDB

La película se destacó por su montaje vertiginoso y una banda sonora ininterrumpida que combinaba música clásica y contemporánea, creando una experiencia electrizante para el espectador. Este enfoque se convirtió rápidamente en la distintiva marca del director. 

Después de dirigir la hiper masculina Mean Streets, Scorsese sorprendió a muchos al dar un giro inesperado con Alice Doesn’t Live Here Anymore (1974), una historia mucho más serena. 

La actriz principal de El exorcista (1973), Ellen Burstyn, eligió a Scorsese como director después de que Francis Ford Coppola lo recomendara debido a su película anterior. Su confianza en Scorsese se vio recompensada cuando ganó el premio Oscar a la Mejor Actriz en 1975 por su papel en esta película.

La próxima aventura de Scorsese resultaría ser una de las más importantes de su carrera, así como una de las películas más influyentes de todos los tiempos. En 1976, lanzaría la polémica masterpiece Taxi Driver, nuevamente haciendo equipo con Robert De Niro como el trágicamente torturado Travis Bickle

Rezumando estilo y sustancia en cada fotograma, la película sirvió como la primera colaboración entre Scorsese y el guionista y director Paul Schrader, así como la música final compuesta por el legendario Bernard Herrmann

También presentó al mundo a la dos veces ganadora del Oscar Jodie Foster, quien interpretó de manera controvertida a la prostituta menor de edad Iris. Taxi Driver sigue siendo un fascinante y desgarrador descenso a la locura y una polémica disección del aislamiento, probablemente uno de los estudios de personajes más brutalmente logrados que jamás se haya filmado. 

Luego ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1976 y coronó oficialmente tanto a su estrella como a su director como los mejores indiscutibles de lo mejor dentro de la industria.

Durante el lanzamiento de esta película, Scorsese estaba atrapado en las garras de una adicción feroz a la cocaína, una batalla que se intensificó con el fracaso de su siguiente proyecto, Nueva York, Nueva York (1977), una apasionante oda a la era dorada de los musicales y a la ciudad de Nueva York. 

En esta película, volvió a colaborar con Robert De Niro y la estrella de Cabaret (Bob Fosse, 1972), Liza Minnelli. Sin embargo, el director cayó en una profunda depresión que lo llevó al hospital debido a una hemorragia interna causada por su uso destructivo de drogas.

Fue en este momento crítico cuando De Niro se acercó a él mientras se estaba recuperando y le planteó una pregunta directa y conmovedora: «¿Quieres vivir o morir?» Le dejó claro que, si optaba por vivir, necesitaba enfrentar sus demonios y comenzar a trabajar en su próxima película.

La evolución creativa de Scorsese en los 80s

Esa película que Scorsese realizó fue la conmovedora Raging Bull (1980), que contó la historia real del campeón de boxeo de peso mediano que se convirtió en comediante, Jake LaMotta

El cineasta, con su habilidad para tejer narrativas complejas y su aguda observación de la condición humana, redefinió los estándares del cine contemporáneo. Su capacidad para fusionar historias con una profunda exploración del alma humana lo convierte en un creador excepcional, cuya influencia perdura a lo largo de las décadas y remodeló el panorama cinematográfico.

La interpretación destructiva y apasionada de De Niro en el papel principal le valió el Oscar al Mejor Actor, ofreciendo un retrato expansivo de la fama efímera y el trágico declive de LaMotta.

Raging Bull no solo marcó la primera nominación de Scorsese como Mejor Director, sino que también destacó por sus ingeniosos movimientos de cámara y su elaborada puesta en escena claustrofóbica, que se consideran logros notables de la película. 

Después de su estreno, la película ganó popularidad; la revista británica Sight and Sound la clasificó como la mejor película de la década de 1980, y ocupó el cuarto lugar en la lista del AFI de «100 años… 100 películas»

Además de su impacto significativo en el mundo del cine, Raging Bull adquiere aún más importancia por marcar el inicio de la colaboración entre Scorsese y el talentoso actor Joe Pesci.

En la década de 1980, Scorsese se arriesgó aún más y se dedicó a contar las historias que realmente le importaban. Después de Raging Bull, el director colaboró con De Niro en la comedia mordaz y satírica The King of Comedy (1982), donde dieron vida a la historia cómicamente perversa del aspirante a comediante Rupert Pupkin

La película enfrentó al dedicado pero insensato Pupkin, interpretado por De Niro, contra el anciano presentador de un programa de entrevistas nocturno, Jerry Langford, interpretado por Jerry Lewis

Aunque fue subestimada en su época, ‘El rey de la comedia’ ha experimentado un resurgimiento, ganando reconocimiento tanto entre los fanáticos de Scorsese como entre el público en general, consolidándose como una de sus mejores obras.

Para su siguiente proyecto, Scorsese se adentra unas cuantas manzanas más en las calles de Nueva York para crear After Hours (1985), una odisea nocturna que sigue la desgracia de Paul Hackett, interpretado por Griffin Dunne, después de ser mordido por una serpiente. 

A pesar de su bajo presupuesto y su estilo que evoca el ambiente alternativo y underground, Scorsese recibió el premio al Mejor Director en el Festival de Cannes por esta película.

Su siguiente película marcó su primera incursión genuina en el cine de estudio convencional: una secuela realizada veinticinco años después del influyente film de Robert Rossen, The Hustler (1961). Esta secuela, titulada The Color of Money (1986), contó con las destacadas actuaciones de Paul Newman y Tom Cruise. Newman recibió un merecido Oscar por retomar su papel como Fast Eddie Felson

Sin embargo, el verdadero triunfo fue para Scorsese, quien había acumulado suficiente influencia en el estudio para obtener el respaldo necesario para llevar a cabo su tan esperada adaptación de la controversial novela de Nikos Kazantzakis, The Last Temptation of Christ. 

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Scorsese en el set de Hugo (2011). Crédito: IMDB

En 1988, el sueño de Scorsese se hizo realidad al presentar su visión alternativa de los últimos días de Jesucristo, con Willem Dafoe en el papel principal. La película, extraña y audaz, buscaba desafiar y cuestionar las interpretaciones bíblicas convencionales de Cristo, ofreciendo en su lugar una representación más insegura y compleja. 

Esto generó controversia a nivel mundial, enfrentando al director con numerosos fundamentalistas religiosos. La Iglesia Católica la consideró «moralmente ofensiva», desencadenando protestas globales debido a las atrevidas nociones exploradas en esta visceral obra maestra de Scorsese.

Scorsese convierte a Goodfellas en la mejor película sobre la mafia

En la década de 1990, Scorsese alcanzó nuevas alturas como un auténtico ícono del cine con lo que posiblemente se convirtió en su obra más reconocible: la inigualable epopeya de gánsteres Goodfellas (1990). 

En esta película, el director se asoció con De Niro y Pesci en roles secundarios, mientras entregaba el protagonismo a Ray Liotta, quien ofreció una actuación magnética como Henry Hill, un mafioso de la vida real convertido en informante del FBI. 

Desde la introducción de Hill en el mundo del crimen en su infancia hasta sus diversas y pulposas desventuras con sus cómplices delincuentes Jimmy Conway y Tommy DeVito, y finalmente su traición a la vida que anhelaba desesperadamente, Scorsese creó un retrato fascinante de la vida en la mafia. Su enfoque apasionado y serio hacia el mundo del crimen rara vez se ve en otros dramas criminales.

En Goodfellas, Scorsese llevó su arte a un nivel superior en todos los aspectos. Deslumbró con su valiente edición, sus hábiles movimientos de cámara y su audaz selección musical. Aunque no representa una nueva dirección para el director, la película sigue siendo increíblemente divertida. 

Scorsese continuó con su enfoque seguro y reconocible en Casino y luego se aventuró en terreno más desafiante y único con Kundun en 1997. Esta película narra los desafíos enfrentados por el decimocuarto Dalai Lama y su exilio del Tíbet, un tema que llevó a que Scorsese fuera expulsado indefinidamente del país.

Al finalizar la década, Scorsese regresó a un terreno más familiar con Bringing Out the Dead (1999), protagonizada por Nicholas Cage. En esta película, colaboró con Schrader para explorar de manera característicamente oscura el tema de la redención espiritual. 

Con estas películas, Scorsese demostró su versatilidad y su habilidad para abordar una amplia gama de temas, desde el crimen hasta la espiritualidad, sin perder su toque distintivo como director.

La búsqueda de Scorsese para encontrar un nuevo rostro para sus películas  llegó a su fin cuando descubrió a Leonardo DiCaprio. Este talentoso actor fue presentado a Scorsese por nada menos que Robert De Niro, quien había trabajado con DiCaprio en This Boy’s Life (1993) y quedó impresionado por su poderosa presencia en pantalla. 

A lo largo de la década de 2000, Scorsese y DiCaprio colaboraron en tres películas, cada una mostrando a DiCaprio en roles muy diferentes pero igualmente notables.

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Scorsese y Ben Kingsley en el set de Hugo (2011). Crédito: IMDB

DiCaprio se apodera de las producciones de Scorsese

La colaboración comenzó con Gangs of New York (2002), una oda épica a las facciones en guerra en la Nueva York del siglo XIX. En esta película, DiCaprio se sumergió en un papel complejo y convincente bajo la dirección magistral de Scorsese. Esta unión entre el director y el joven actor se convertiría en una de las colaboraciones más destacadas y fructíferas en la historia del cine.

DiCaprio ofreció un excelente trabajo como el vengativo Amsterdam Vallon, pero sin duda fue eclipsado por una actuación gigantesca de Day-Lewis como Bill el Carnicero

Su próxima colaboración demostraría ser un mejor reflejo de las inmensas dotes interpretativas del joven actor, asumiendo el abrumador legado del solitario magnate del cine y pionero de la aviación Howard Hughes en la excéntrica película biográfica El aviador (2004). 

DiCaprio ofreció una vulnerabilidad sin precedentes en su interpretación de Hughes, describiendo el alcance de su destructivo TOC y su manía en la vejez. Si bien la película ganó cinco premios de la Academia, incluido el de Mejor Actriz de Reparto por la interpretación de Cate Blanchett de la legendaria actriz Katharine Hepburn, tanto DiCaprio como Scorsese se marcharon con las manos vacías. 

Su fortuna en la Academia cambiaría con el lanzamiento de su nueva versión del thriller criminal de Hong Kong, Internal Affairs (2002), que eventualmente se convertiría en The Departed (2006), ganadora del premio a la Mejor Película en 2006. 

En esta producción, DiCaprio y Matt Damon encarnaron las dos caras de la misma moneda: el primero como un recluta policial desesperado enviado encubierto para infiltrarse en la mafia, y el segundo como un informante de la mafia incrustado en lo más profundo del departamento de policía. 

Ambos fueron manipulados por el malévolo jefe de la mafia Frank Costello, interpretado magistralmente por Jack Nicholson en su última actuación icónica. Scorsese finalmente se llevó a casa el premio Oscar al Mejor Director, su sexta nominación.

La asociación de Scorsese con DiCaprio se extendió hasta la década de 2010, comenzando la última etapa de su carrera con el neo-noir lleno de terror Shutter Island (2010). 

Una historia llena de giros sobre dos detectives duros enviados a una remota institución mental en una isla para localizar a un paciente desaparecido, la película vio a su director comenzar a examinar su estatus como maestro cinematográfico y la ilustre carrera que se había labrado. Esta autorreflexión lo impulsó en direcciones que antes había sido reacio, como el fascinante misterio de Shutter Island o el asombro infantil de su próxima película Hugo (2011).

Adaptada de la novela infantil ilustrada de Brian Selznick La invención de Hugo Cabret, la película marcó la primera incursión del director en algo que pudiera ser interpretado como conmovedor. 

Pero justo cuando el público podría haber sospechado que Scorsese se estaba ablandando, lanzó la vertiginosa, estridente y sin reservas El lobo de Wall Street (2013). 

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Scorsese y Lily Gladstone en el set de Los Asesinos de la Luna (2023). Crédito: IMDB

La historia increíblemente real del corredor de bolsa de Nueva York Jordan Belfort, desde sus primeros días en Wall Street hasta su glorioso reinado como CEO fiestero y su eventual caída y encarcelamiento por fraude de seguridad a gran escala. 

La actuación de DiCaprio como Belfort es una de las más salvajes jamás capturadas en una película y todavía se considera la mejor que jamás haya realizado, pero junto con personajes como los de  Jonah Hill y la recién llegada Margot Robbie, la película demuestra ser una pieza de conjunto brillante.

Fe, arrepentimiento y el regreso a las narrativas sobre la mafia

En la segunda mitad de la década, Scorsese revisitaría los dos principios centrales de su filmografía anterior: la fe y el arrepentimiento. En 2016, presentó la atmosférica Silence, protagonizada por Andrew Garfield y Adam Driver como sacerdotes jesuitas portugueses enviados al Japón del siglo XVII, donde se prohibió el contacto con extranjeros y la práctica del catolicismo bajo el shogunato Tokugawa

En esta película, Scorsese exploró temas similares a los de obras anteriores como La última tentación de Cristo y Kundun, creando un viaje acumulativo pero contenido a través del alma misma de la fe. 

Scorsese continuó este repaso a su propia carrera con el esperado estreno de El irlandés (2019). En esta épica de tres horas y media, se reunió nuevamente con sus colaboradores de toda la vida, De Niro y Pesci, y agregó al legendario Al Pacino al reparto. La historia sigue al camionero irlandés Frank Sheeran, atrapado entre la mafia y el poderoso líder sindical Jimmy Hoffa, y rápidamente silenció a los escépticos de la película y su tecnología CGI rejuvenecedora tras su lanzamiento.

En 2023, Martin Scorsese regresó a la silla del director con Los Asesinos de la Luna, una película que encapsula su fascinación por la intersección del dinero, la violencia y la condición humana. 

A través de la enorme interpretación de Leonardo DiCaprio y el enfoque meticuloso del director, Los Asesinos de la Luna se convierte en una crítica descarnada de la historia estadounidense, una narrativa anti nostálgica que desentierra el trauma fundacional de la nación y revela la descomposición de la imagen que tiene de sí misma.

Después de presentar la película en Cannes, se dirigió al Vaticano para responder al llamado del Papa y anunciar que su próxima película estará centrada en Jesucristo. Esta decisión muestra su continua exploración y fascinación por los aspectos espirituales y religiosos en el cine. 

Además, durante una reunión con la prensa, Scorsese mencionó cómo la película El Evangelio según Mateo, dirigida por Pier Paolo Pasolini y estrenada en 1965, fue una influencia significativa en su carrera como director. Esta referencia revela la profunda inspiración que Scorsese ha encontrado en el trabajo de otros cineastas que han explorado temas similares.

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